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Chile
http://francisconavarretesitja.com
Kunstart: Medien
Technik: Videokunst
Statement:
SITIO WEB DEL ARTISTA: http://francisconavarretesitja.com/
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AN-ARQUITECTURA: PENSAR EL MAC DESDE SUS CAPAS. Una obra de Francisco Navarrete.
La versión 2013 del Salón de Estudiantes de la Universidad de Chile (SdE) reúne 56 obras de diferentes artistas, entregando un panorama del arte chileno actual en tanto que diverso, mutable y dinámico, adjetivos que acompañan casi siempre a la producción artística de las generaciones más jóvenes. Sin embargo, el pie forzado a trabajar es el pasado hospitalario del edificio que alberga la muestra, tensionando la relación entre medicina y arte, -eje curatorial del SdE-, a través del concepto “farmacología estética” propuesto por los curadores.
Así, las obras en esta muestra, titulada Desde el resto: farmacología estética, la manera de hacer arte en Chile, remiten no sólo a la especificidad de la convocatoria y su relación con el edificio del MAC, sino que también cuestionan los modos de circulación del arte nacional aludiendo a un contexto particular de producción: la Escuela de Arte de la Universidad de Chile y el modo que tiene de insertarse en el circuito artístico chileno.
Lo que me interesa plantear en este texto es el primer punto, a saber, la problematización de las diferentes capas arquitectónicas y temporales que tiene el edificio del MAC Quinta Normal. En esta deconstrucción destaca la obra de Francisco Navarrete, al realizar una conversación fluida con el lugar que la acoge, al tiempo que la cuestiona, tensiona e incomoda por medio de prácticas visuales específicas.
Régimen escrupuloso es el título bajo el cual Navarrete reúne 50 videos stop-motion presentados en cinco pantallas LED de alta resolución, video-animaciones conformadas por el registro fotográfico de tubos, cables, rincones, ventanas y pasillos del edificio. La elección de estos micro-lugares de la construcción entremezclan su pasado y su presente gracias a la indefinición propia de la imagen enmarcada por el lente, es decir, los elementos y espacios fotografiados se caracterizan por ser de líneas puras y cortantes, y podrían remitir a cualquier temporalidad. De esta manera, lo que se genera es un espacio-tiempo artificial, un no-lugar o, al menos, un lugar intermedio que desborda el presente y se estructura en el pasado, imaginando un futuro ficticio por venir.
Sin embargo, lo que se mantiene como una constante es la función de los espacios y elementos fotografiados: su tarea es dirigir el tránsito de –en el pretérito de la construcción- un sujeto enfermo, y –en su presente- de un sujeto contemplador.
El rendimiento político de esta cuestión es insoslayable, pues lo que Navarrete cuestiona, en una lectura más profunda, es la administración del espacio y de la corporalidad de los sujetos, y qué se espera de ellos en determinados contextos. Entonces, ¿cómo debiera administrarse un no-lugar?, ¿cómo debe comportarse el sujeto que transita en él?. O, incluso, planteo una pregunta aún más esencial: si lo que se presenta en Régimen escrupuloso es un no-lugar, una atemporalidad, ¿cómo se delimita lo que es, malamente dicho, el lugar oficial y el no-lugar?. Esta ambivalencia se manifiesta en esta obra por medio de la aparición y desaparición de la imagen a través de un “pantallazo” blanco que funciona como cortina entre un video y otro. Así, la imagen lleva de la mano al espectador a través de los diferentes tiempos de lo fotografiado, suspendiendo el devenir del tiempo presente y abriendo una seguidilla de instantes efímeros atemporales. Esta situación genera en el visitante un ánimo expectante frente a la incertidumbre de lo que vendrá, y la imagen adquiere un aspecto envolvente e hipnótico, como el fuego que no puede dejar de verse.
Esta atemporalidad y este no-lugar, en tanto que dislocación (dis-locāre: descolocar, poner fuera de lugar), se comprende desde el enrarecimiento del espacio y de los restos que deja este proceso. En las imágenes de Navarrete, esta extrañeza se trabaja desde la inclusión de ruido en la superficie a través de grano digital en la imagen, de la corrosión de las cajas de los monitores que proyectan los videos gracias al ácido arrojado en su carcasa, de la intervención del oído y del olfato por medio de una secuencia auditiva que recopila ruidos de tubos fluorescentes y otros elementos similares, y del constante aroma a clavo de olor, conocido anestésico natural.
Sin lugar a dudas, este enrarecimiento descoloca al espectador puesto que todas estas estrategias se presentan en su fragilidad material, es decir, como meras sensaciones que no se alcanzan a interiorizar como certezas del ambiente, sino que permanecen como una impresión pasajera de que “algo raro hay”.
Incomodar al espectador es también parte del trabajo de presentar un no-lugar y una atemporalidad, incitando al público a cuestionar su propia temporalidad y el espacio en que circula. El recorrido que el visitante debe hacer al entrar en la sala va desde un monitor que proyecta elementos específicos hasta la proyección fija y continua de una sala vacía del edificio que parece ser idéntica a la sala que alberga la instalación de Navarrete. Estos monitores están adheridos a la pared o muy cercanos a ella, obligando al espectador a ubicarse en el intersticio que queda entre el monitor y el muro, generando una sensación de confinamiento y opresión, tal como se experimenta en una cama de hospital.
Ubicar la mirada en este intersticio es comprender el espacio desde su estratificación, desde las diversas capas que ofrece, situando a la subjetividad en la incomodidad del no-lugar, entendiendo al cuerpo enfermo o al cuerpo artístico como un lugar de inconformidad e indefinición, pues son marginales a los procesos de administración y productivización de la corporalidad y el espacio.
Con esta instalación, Navarrete le da la palabra al MAC de Quinta Normal, permitiéndole hablar desde sus capas arquitectónicas y desde las diferentes temporalidades que ha cobijado. El registro fotográfico y sonoro realizado por el artista extrapola esta diversidad de tiempo hacia la suspensión del devenir generando una atemporalidad previa a toda administración corporal y espacial y, por tanto, a toda categorización y jerarquización del pensamiento.
Texto: Patricia Arellano Galgani.
http://www.artishock.cl/2013/04/an-arquitectura-pensar-el-mac-desde-sus-capas/
EXPOSICIONES REALIZADAS 2013.
2013, PERRO, GALLO, ZORRO. Sala de Fotografía Centro Cultural Estación Mapocho. Santiago, Chile.
2013, KM-0 Circulación Nacional de Arte Contemporáneo, Gal. Balmaceda Arte Joven Antofagasta. Antofagasta, Chile.
2013, Un esquimal con un zorro blanco que acaba de cazar, imágenes de Chile, Galería Casa de las Américas. Cuba.
2013, Desde el Resto: Salón Estudiantes Universidad de Chile, Museo Arte Contemporáneo. Santiago, Chile.
2013, INMUEBLE, Galería BECH. Santiago, Chile.
2013, Artista del Mes, Local Arte Contemporáneo. Santiago, Chile.
2013, CASA TOMADA, Intervención antes de la demolición. Santiago, Chile.
2013, STOMACHION, Centro de Investigación de Estudios Coreográficos. Santiago, Chile.
2013, Sin Dios Ni Tierra, Centro el Cerro. Santiago, Chile
2013, Not Berlinale, AV Format, Waterloo-Ufer. Berlin, Alemania.
OTRO SITIO WEB DE SUS OBRAS:
http://francisconavarretesitja.tumblr.com/
http://francisconavarrete.artists.de/
Vita / Lebenslauf:
TITULOS Y GRADOS ACADÉMICOS
2009 Licenciado en Artes Visuales mensión Pintura, Univerisdad de Chile, Santiago, Chile.
2013 Candidato Magister en Artes Visuales, Univerisdad de Chile, Santiago, Chile.
TRABAJOS Y CARGOS DESEMPEÑADOS EN CHILE Y/O EL EXTRANJERO
2013-2009, Profesor Ayudante Pregrado Color y Pintura I,II y III, Facultad de Artes Universidad de Chile, Santiago, Chile.
2013-2011, Fotógrafo profesional, Agencia TETRA, , Santiago, Chile.
2012-2011, Retocador fotográfico profesional Museo Universitario de Arte Popular Americano Tomás Lagos MAPA Universiad de Chile , Santiago, Chile.
2011-2009, Director y Fundador Proyecto Colectivo Acción Sudaca, Santiago, Chile.
2011, Montajista y asistente Museo Universitario de Arte Popular Americano Tomás Lagos MAPA Universiad de Chile , Santiago, Chile.
2010, Asistente Sala de fotografía Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago, Chile.
2009-2010, Fotógrafo Museo de Arte Popular Americano Tomás Lagos MAPA Universidad de Chile.
FILIACIÓN A GRUPO
Francisco Navarrete participo como organizador y director en el proyecto colectivo artistico de gestión cultural “Acción Sudaca” desde Diciembre 2009 hasta Septiembre 2011, gestionando distintos espacios (desde galerías a centros comunitarios culturales municipales y otros espacios alternativos) para realizar exposiciones e itinerancias, produciendo y presentando una serie de proyectos de financiamiento ( CNCA, U. de Chile y otros) para actividades educativas y estrategias de difusión y comunicación, apoyando administrativa y visualmente el desarrollo de más de 16 exposiciones colectivas en distintas ciudades del país (7), sumando la participación de más de 250 artistas jóvenes nacionales y extranjeros.
SOBRE SU TRABAJO
Al reconocido pensador alemán Walter Benjamin se le suele asociar con un par de motivos recurrentes en su escritura, a saber, el ánimo melancólico, la memoria, la proximidad con la técnica fotográfica como potencialmente revolucionaria, la fijación por la ruina y el denominado ‘Trauerspiel’ propio del barroco alemán. Por supuesto, la complejidad de la propuesta benjaminiana no puede ser reducida sencillamente a esa pormenorización; igualmente, la obra de Navarrete Sitja tampoco podría subyugarse en aquella conceptualización y, sin embargo, en ambos casos se podría decir que tales términos y conceptos resultan ser una ajustada —aunque inexacta— imagen del contorno que los alberga. En otras palabras, el trabajo de Navarrete Sitja se erige próximo en su apariencia a la imagen habitual del discurso benjaminiano, pero en ningún caso basta para dar cuenta precisa de las amplias implicancias de su quehacer.
Pese a aquello, contradictoriamente resulta ineludible que la primera aproximación preste atención al modo en que los escombros y los restos, las imágenes del recuerdo y los lugares derruidos, así como la prestancia de lo fotográfico en expansión, adquieren un transversal protagonismo en su propuesta, volviendo con insistencia hacia el papel que ocupa la fragilidad de la memoria. En ese sentido, el modo en como el artista hace uso de la emulsión fotosensible y de las composiciones en blanco y negro —en permanente referencia al claroscuro barroco—, dan cuenta de la primacía originaria de la matriz pictórica como modelo de aproximación reflexiva al aparato técnico: para Navarrete Sitja, pareciera que el espacio de la memoria fotográfica y del recuerdo arquitectónico debe ser intervenido pictóricamente no para modificar el pasado, sino para exaltarlo, para recuperarlo en una ficción sobre lo posible. En otras palabras, para hacer relucir el espacio de mediación —y por tanto de representación— que vehicula todo posible recuerdo. Para la obra de este artista la oscuridad de la noche, la soledad de los lugares y sus restos arruinados, así como las insinuadas formas del cuerpo sintonizan, cada vez, con la melancolía del que olvidando, desea siempre recordar; o mejor dicho, de aquel que recordando, termina por recrear.
PREMIOS Y DISTINCIONES
2013, Libro “PINTORES SUB30”, Editorial Ocho Libros, Santiago, Chile.
2011, Beca Magister en Artes Visuales Universidad de Chile, Consejo Nacional de la Cultura CNCA, Santiago, Chile.
2012, Beca Residencia “Álbum Familiar”/ Festival Internacional de fotografía FIFV, Valparaíso, Chile.
2012, Selección Internacional “Athens Video Art Festival Digital Arts & New Mediar”, Stoa Kourtaki, Athens.
2012, Distinción 10º Concurso JUAN DOWNEY / Bienal de video y nuevos medios, Santiago, Chile.
2011, Distinción Showroom CNCA en Ch.aco, Consejo Nacional de la Cultura CNCA, Santiago, Chile.
2011, Distinción Revista GRIFO, Fac. de Literatura Universidad Diego Portales, Santiago, Chile.
2011, Distincion Revista web http://www.artists.de/featured-kuratiert.php,, Düsseldorf, Alemania.
2011, Ganador proyecto Acción Sudaca 2011, Fondo Azul Universidad de Chile, Santiago Chile.
2010, Ganador proyecto Acción Sudaca Valparaíso, Consejo Nacional de la Cultura CNCA, Santiago,Chile.
2010, Ganador proyecto Acción Sudaca 2010, Fondo Azul Universidad de Chile, Santiago Chile.
2010, Selección VXIII Concurso Artistas del Siglo XXI, Universidad Católica, Santiago,Chile
2009, Ganador proyecto Transferencia y gesto I, FONDAE Fac. de Artes Universidad de Chile, Santiago Chile.
2009, Selección III Cabeza de Ratón 2009, Museo de Artes Visuales MAVI, Santiago,Chile.
2008, Ganador proyecto Transferencia y gesto II, FONDAE Fac. de Artes Universidad de Chile, Santiago Chile.
EXPOSICIONES 2013
2013, PERRO, GALLO, ZORRO. Sala de Fotografía Centro Cultural Estación Mapocho. Santiago, Chile.
2013, KM-0 Circulación Nacional de Arte Contemporáneo, Gal. Balmaceda Arte Joven Antofagasta. Antofagasta, Chile.
2013, Un esquimal con un zorro blanco que acaba de cazar, imágenes de Chile, Galería Casa de las Américas. Cuba.
2013, Desde el Resto: Salón Estudiantes Universidad de Chile, Museo Arte Contemporáneo. Santiago, Chile.
2013, INMUEBLE, Galería BECH. Santiago, Chile.
2013, Artista del Mes, Local Arte Contemporáneo. Santiago, Chile.
2013, CASA TOMADA, Intervención antes de la demolición. Santiago, Chile.
2013, STOMACHION, Centro de Investigación de Estudios Coreográficos. Santiago, Chile.
2013, Sin Dios Ni Tierra, Centro el Cerro. Santiago, Chile
2013, Not Berlinale, AV Format, Waterloo-Ufer. Berlin, Alemania.
EXPOSICIONES 2012
2012, Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana, Bienal de la Imagen en Movimiento. Buenos Aires, Argentina.
2012, Young-artists-incubator, Factory-Art gallery. Berlin, Alemania.
2012, VOLTA Festival de VideoArte, Local Project. Santiago, Chile
2012, Santiago aspectos de lo urbano, Museo Benjamin Vicuña Mackenna. Santiago, Chile.
2012, Athens Video Art Festival/ International Festival of Digital Arts & New Mediar, Stoa Kourtaki, Athens.
2012, Día Nacional de la Fotografía, Casona Dubois Quinta Normal. Santiago, Chile.
2012, Flesh Garden, La Petite Mort Gallery. Toronto-Canadá.
2012, Ojo Mudo, L`Equitable Café y Le Polygome Êtoilé. Paris, Francia
2012, Cinema Territorio I, Intervención urb. y dispositivos sonoros barrio Matta/Prat, Santiago, Chile.
2012, Cinema Territorio II, Intervención urb. y dispositivos sonoros barrio Yungay, Santiago, Chile.
2012, PerrOff, Espacio Cabeza de Pescado, Santiago, Chile.
2012, Concurso fotográfico “Fundación Iniciar for Global Action”, Buenos Aires, Argentina.
2012, Lecciones de Emergencia, Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago, Chile.
2012, Flesh Garden, Casa Brandon, Buenos Aires, Argentina.
2012, Flesh Garden, Sala +18 Biblioteca de Santiago, Santiago, Chile.
2012, Desde el Otro, Sala exposiciones Juan Egenau, Santiago, Chile.
2012, Ojo Mudo, Sala exposiciones Juan Egenau, Santiago, Chile.
2012, Punto Ciego, Lab. de Creaciones Intermedia Universidad Politécnica de Valencia, España.
2012, Punto Ciego, Centro de Arte Contemporáneo Statión, Prishtina, Kosovo.
EXPOSICIONES 2011
2011, 10º Concurso Iberoamericano a la Creación y Autoría Audiovisual JUAN DOWNEY / Bienal de video y nuevos medios, Santiago, Chile.
2011, I Antología Visual Jóvenes Fotógrafos Chilenos, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile
2011, II Concurso de Arte Universitario, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile
2011, Línea Polonio, Galería Artek y Caja Negra Artes Visuales, Santiago, Chile
2011, La Posesión Ante la Vida, Centro de Extención de Cultura y las Artes Ovalle, Ovalle, Chile.
2011, Tercer Paisaje, Galería Balmaceda Arte Joven, Santiago, Chile.
2011, Archivo en Tensión, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile
2011, Showroom CNCA en Ch.aco, Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago, Chile
2011, Circuito Cultural Santiago Poniente, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile
2011, PuntoCiego, La politica en el ojo, Museo Artes Visuales MAVI, Santiago, Chile
2011, Ocupa: 24 Artistas & 1 Curador, Departamento 11 / Pamela Prado, Santiago, Chile
EXPOSICIONES 2010
2010, MAP REDUCE, Espacio Cellar, Santiago, Chile
2010, Historia después de todo, Galería BECH, Santiago, Chile.
2010, Por la Razón o Por la Fuerza, Museo de Arte Moderno de Mendoza MMAMMM, Argentina.
2010, Concurso Artistas del Siglo XXI, Centro Extensión Universidad Católica, Santiago,Chile
2010, No somos un Colectivo, Espacio Cellar, Santiago, Chile
2010, Ver para Creer, Galería Balmaceda Arte Joven, Vaparaíso, Chile.
2010, Distrito Sudaca, Galería Guillermo Nuñez, Santiago, Chile
2010, Sudaca Paradise, Galeria Scuola Italiana, Santiago, Chile
2010, Nuevos Imaginarios, Sala Isidora Zegers U. de Chile, Santiago, Chile
2010, Chile Bicentenario, Centro Cívico de San Agustí, Barcelona España
EXPOSICIONES 2009
2009, III Concurso Cabeza de Ratón, Museo Artes Visuales MAVI, Santiago, Chile.
2009, Espacio Contenido - Salón estudiantes Universidad de Chile,
2009, Irrepetible, Galería Balmaceda Arte Joven, Valparaíso, Chile.
2009, Laberintos de Amor y erotismo, Centro Cultural de la Reina, Santiago, Chile.
EXPOSICIONES 2008/2007/2006
2008, Concurso Obras Sobre Papel, Centro Extensión Universidad Católica, Santiago,Chile
2007, XVIII Concurso ARTE EN VIVO, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
2006, Intervención escultórica sitio especifico Terreno-Patio, Fac de Artes U. Chile, Santiago, Chile
2006, Volumetrias Espaciales, Sala Juan Egenau, Santiago, Chile
PROXIMAS EXPOSICIONES
2013, Otra Metrópolis. Sala CENFOTO Biblioteca de Santiago. Santiago, Chile.
2013, Proyecto Quilicura, Centro Cultural Municipal de Quilicura. Santiago, Chile.
2013, (A)PROPÓSITO, Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile.
2013, Colectiva Artishock, Espacio MILm2. Santiago, Chile.
2013, III Concurso de Arte Universitario, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
2014, SUB30, Museo Arte Contemporáneo. Santiago, Chile.
PONENCIAS
2013, La manera de hacer Arte en Chile, Salón de Estudiantes Universidad de Chile, MAC, Santiago, Chile.
2013, Procesos y creación fotográfica, Escuela de Comunicación, Instituto ALPES, Santiago, Chile.
2012, El Arte como Arma de Resistencia, Centro Cultural de España, Santiago, Chile
2011, La enseñanza del Arte en Chile, Concurso Arte Universitario, MAC, Santiago, Chile.
2010, CFG Gestión cultural Universitaria, Facultad de Artes Universidad de Chile, Santiago, Chile.
2010, Estrategias visuales. La creación, desde el sujeto al Colectivo, UMCE, Santiago, Chile.
2010, 1er Observatorio de Arte, UNIACC, Santiago, Chile.
TALLERES DE PRODUCCIÓN DE OBRA.
2013, Procesos Creativos por Luis González Palma, Festival de las Artes, Coquimbo, Chile.
2012, Esculpir La LUZ por Antoni Pinet, Bienal de la Imagen en Movimiento, Buenos Aires, Argentina.
2012, Día Nacional de la Fotografía, Área Fotografía Consejo Nacional de la Cultura, Santiago, Chile.
2012, Residencia ÁLBUM FAMILIAR, Festival Internacional de Fotografía Valparaíso FIFV, Chile.
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SOBRE ÚLTIMOS PROYECTOS
"Al definir el imaginario social de la urbe se puede identificar a Santiago como territorio trazado por los efectos de la catástrofe – siempre unida al descalabro natural y a la violencia política – y a la modernización – siempre en proceso e inconclusa –. De esta forma, la subjetividad urbana se construye con elementos dispares y antagónicos. El tiempo de la ciudad es múltiple y discontinuo y los relatos se multiplican más allá de la hegemonía comunicacional del neoliberalismo."
Santiago: Tejido desgarrado por una subjetividad fugitiva
Carlos Ossa
Estéticas de la Intemperie: Lecturas y acción en el espacio público
Al pensar en la ciudad como aquel espacio donde se modela y acontece la vida moderna, donde se conjugan las lógicas de la esfera pública y sus exigencias urbanas, la búsqueda de la depuración neoliberal a favor de los “barrios decentes” – como promovía el ex intendente de Santiago Benjamín Vicuña Mackenna – se hace un imperativo. La modernización y la vorágine del cambio se transforma en el himno necesario cuyo objetivo propuesto debe ser alcanzado aunque, a la postre, jamás satisfecho más que como retorno sintomático que da cuenta la imposibilidad de una modernidad local plena; modernidad anhelada aunque castrada desde su origen. El lugar en que se emplaza la propuesta del artista Francisco Navarrete posee esta carga.
El barrio Yungay sucumbe a la intemperie urbana, donde el ideario avasallador de progreso ininterrumpido persiste y exige, a modo de necesidad teleológica, un cambio y actualidad cuya “puesta al día”, propio del proceso de modernización, repercute en torno a la ciudad y su historia material –valga decir patrimonial –: es la memoria, la identidad y la vinculación con el territorio lo que decae ya que, parafraseando a Carlos Ossa,Santiago es una ciudad en permanente construcción y, a causa de ello, en permanente demolición; decae el proyecto edificante de “barrio decente” dejando a su paso el peso de la vida y la desolación, la degradación y el olvido.
La mutación material y simbólica del sector, otrora ejemplo de civilización nacional, se presenta como consecuencia natural del constante construir y demoler la ciudad, cuya transformación deviene en re-significación de discursos y subjetividades, estéticas e imaginarios, legitimación y precariedad. Una estética de la intemperie se presenta como aquel espacio residual al margen del imaginario oficial, como un no-lugar, aquello que se quiere olvidar pero que retorna reclamando lo que es suyo: la huella traumática acontece y se manifiesta sintomáticamente.
La obra de Navarrete se sumerge e interactúa con el espacio circundante, dialoga y propone una modalidad diferente para experimentar lo cotidiano y familiar, sobredeterminando el espacio público habitual para quienes transitan por el sector. Siendo espectadores presenciales de una escena imaginada y conocida, nuestra mirada es guiada intencionalmente a un punto central, ésta se enrarece, y lo conocido y familiar irrumpe en nuestra consciencia como enigmático: la experimentación de un sentir –afección – de lo siniestro. La operación de la imagen dispuesta en el centro del terreno nos remite a aquel lugar común que no queremos ver, aquel espacio exento de orden y confort arrojado a un desamparo residual. Nuestra mirada es cómplice inocente del lugar exterior indecente que, de acuerdo al imaginario del sueño por una modernidad local plena, no puede ni debiera estar habitado. Somos testigos de la ilusión modernizadora, el fracaso del progreso material, ya que la luz interior que se revela por la ventana da cuenta de la ilusión.
Constitución importante a esta irrupción afectiva de lo siniestro u ominoso en tanto que acontecimiento experimentado por aquellos que interpelan la intervención, es que el artista emplaza artefactos sonoros en las inmediaciones, cuyo propósito es reproducir el testimonio de distintas personas. Se les entrega a quienes hayan participado para relatar su visión, una fotografía nocturna de los alrededores que expresa este imaginario de lo siniestro, quienes debían responder ante la pregunta “¿Qué puedo ver y sentir en la imagen?”. La evocación de un espacio conocido y reconocible por medio del sonido, apela a la memoria y rememoración del lugar común, a la construcción de un imaginario colectivo delimitado por el territorio. Pero la traducción de la realidad al medio fotográfico y, a su vez, al relato soportado por lo sonoro da cuenta de la imposibilidad: el filtro de la subjetividad propia del testimonio reproduce la distancia entre texto e imagen, es decir, entre localidad (espacio de residencia) y desecho urbano. La búsqueda reside en la experiencia, al padecimiento traumático – libre de sentido – del acontecimiento y su persistente actualidad en la vida y la ciudad.
Texto: Jaime Cuevas, Egresado de Teoría e Historia del Arte.
Fuente: www.enlaintemperie.com/
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Del 22 de Julio al 5 de Agosto, 1er proyecto intervención en el espacio público en marco proyecto INTEMPERIE. Instalación de fotografía en gran formato, además de serie de postales nocturnas del barrio Yungay. Las impresiones postales han sido relatadas por la comunidad, respondiendo a la pregunta ¿ Qué puedo ver y percibir en la imagen?. Por último, serie de audios y ruidos reproducidos por dispositivos sonoros autónomos emplazados, durante las noches, en la vía pública, frente a los lugares registrados fotográficamente.
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"Cinema control " / Video Arte e instalación.
Link: http://vimeo.com/45167522
Ése es el nombre de la obra que Francisco Navarrete, licenciado en Artes Plásticas y estudiante del Magíster en Artes Visuales, expone en Lecciones de emergencia, colectiva que reúne una serie de propuestas realizadas a partir de lo ocurrido en 2011 en torno al movimiento estudiantil. “Me motivó acercarme e involucrarme de lleno en una cuestión política transversal; intentar ir más allá del imaginario o estética de protesta ya mediatizada; y trasladar mis estrategias de trabajo a sitios específicos que si bien tienen que ver con el habitar ‘cotidiano’, cuestión que he estado trabajando, marcan mucha distancia y nuevas posibilidades”, dice al referirse a las razones que lo llevaron a aceptar la invitación que las curadoras de esta muestra, Montserrat Rojas y Tania Robledo, le hicieron para formar parte de la exposición.
De allí que haya comenzado a trabajar en esta nueva propuesta que se tradujo en una instalación audiovisual compuesta por un díptico de portarretratos y video en que reproduce dos series de video animación stop motion que elaboró a partir de 15 mil fotografías en blanco negro realizadas al interior de establecimientos de educación secundaria, imágenes que en su trabajo son acompañadas por sonidos mínimos también capturados en dichos espacios. “Es un proyecto hecho a partir de ‘ecos, saltos y rebotes’. Y aunque formalmente es ‘video’, ha sido pensado desde el imaginario pictórico trasladado a lo cinematográfico y posteriormente operado y desplazado de lo fotográfico a lo audiovisual”, agrega sobre esta propuesta que se exhibirá hasta el 5 de agosto en Sala Joaquín Edwards Bello del CCEM.
En su mayoría, esas imágenes corresponden a “rincones y espacios comunes en los que se registran tramas arquitectónicas, estructuras del alumbrado, sombras proyectadas y superficies deterioradas que se visualizan por medio de las proyecciones que produce el mobiliario lumínico y la jerarquización o administración de los espacios propios de estos establecimientos”, añade sobre esta propuesta que busca “posibilitar la inversión del juego del velar y develar, cuestión que se exacerba en la ‘mecanicidad’ de la mirada, el uso cinematográfico de la luz y las estructuras y tramas arquitectónicas que jerarquizan los espacios, organizando de este modo nuestro comportamiento”, concluye este artista que, en paralelo, exhibió algunos de sus trabajos en Grecia y Francia, y que durante julio participará con proyectos fotográficos y audiovisuales en exposiciones a realizarse en Alemania y Canadá.
Texto: Isis Díaz López / Periodista Facultad de Artes
Fotografías: Cortesía de los artistas
Viernes 29 de junio de 2012
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TEMAS DE SUS OBRAS/ESTRATEGIA VISUAL/PROCESO CREATIVO
El trabajo visual de Navarrete se articula en torno a problemáticas relacionadas con la conformación de memoria, identidad y temporalidad alterada, utilizando el espacio doméstico y lo secular como el escenario en que acontece esta conformación. Esto ha derivado en la reflexión del habitar cotidiano del sujeto desde dos aristas: la primera guarda relación con la melancolía del pasado, el olvido y el destiempo de ciertas materialidades, superficies y arquitecturas que funcionan como membranas o protesis de memoria exteriorizada (archivos), y la segunda atañe al modo en que el sujeto se relaciona con los lugares, estructuras, artefactos y mecanismos hogareños que organizan su vida, volviéndolos protagonistas de la manipulación de la vida habitual del hombre, haciendo comparecer a éste como espectador distraído e inadvertido de su propio habitar, tornando el lugar doméstico en una cuidada escenografía inscrita bajo distintas relaciones de poder configuradas.
La estrategia visual de la primera arista se desarrolla a partir de la manipulación y tergiversación de registros artísticos como señal de la pérdida de especificidad de los géneros plásticos, yuxtaponiendo fotografía e imaginario pictórico sobre trozos de cornisas y materialidades barrocas encontradas en la calle en que se ubica el hogar de Navarrete imprimiendo autorretratos que permiten relacionar la conformación e interacción de la identidad pública con la privada. La segunda arista se despliega a partir de video stop-motion que registran secuencias de habitaciones domésticas ocupadas por dispositivos lumínicos y electrónicos mostrados desde su funcionalidad pero también desde el proceso enajenante que efectúan sobre el hombre, vislumbrando la condición maquinal del cotidiano vivir. Estas dos aristas coinciden en la importancia de los asuntos de superficie en las diversas materialidades que Navarrete trabaja, dotando de notoriedad los recursos específicos que se sustraen de registros como la pintura, fotografía, instalación, video, arte digital y el reciente traslape desde lo fotográfico a lo cinematográfico.
Las obras de Navarrete nacen, en primera instancia, del acercamiento a la materialidad propia tanto del objeto o espacio a manejar como del género artístico a cuestionar, particularmente de la apropiación y captura de imágenes, espacio, lugares y objetos cotidianos, en el caso de estos últimos, desde cierta sensación de silencio efimera y moribunda¬– ruina, misterio, vigilancia y bandono– decenvocan en una constante puesta en escena de una mirada melancólica como modo de producir y restablecer memoria a partir de ciertos aspectos físicos de las materialidades, soportes e imágenes por medio de una inscripción constantemente “mediatizada” de rastros, huellas, trazas, vestigios o indicios técnicos que se alimentan de la morfología de este tiempo ambivalente de lo roñoso, de la erosión, ausencia y olvido que, producidos desde lo orgánico a lo mecánico, padecen, a su manera, lo equivalente al envejecimiento y la desgracia.
Navarrete desarrolla un cuidado uso de la luz, de forma dramatica y sugestiva exacerba los blancos y negros que se generan en la noche, tiempo ideal de operación para tu trabajo, creando atmósferas enrarecidas, ajenas y familiares, amigables, inquietantes y perturbadoras a la vez. Por otro lado, hay una característica que relaciona su trabajo con la tradición pictórica del barroco donde el claroscuro, sobrecargado y melancolico de las superficies juegan un rol fundamental. Es en este encuentro de estrategias, sensaciones y en la simpleza visual de lo narrado donde radica la seducción de su trabajo.
http://carreterapanamericana.tumblr.com/post/21378852800/panamericana-presenta-a-francisco-navarrete.
Panamericana presenta a Francisco Navarrete Sitja
P.¿Cuéntanos quién eres?
F.N. Mi nombre es Francisco Navarrete Sitja, tengo 25 años, soy Licenciado en Artes Plásticas, estudiante de Magíster en Artes Visuales, fotógrafo aficionado, profesor ayudante en los talleres de Color y Pintura de la facultad de Artes de la Universidad de Chile, entre muchos otros. Soy alguien que no sabe lo que es estar desocupado.
P.¿Dónde naciste y dónde vives ahora?
F.N. Nací en Santiago de Chile, en una casa al sur del centro de la ciudad, lugar donde siempre me llamo la atención la caja oscura de la escalera, la pieza alfombrada del segundo piso, las pistas de autos desdibujadas que estaban escondidas bajo el tapiz, los árboles gigantes que habían en el patio trasero, las despensas de vidrio en las que guardaban las figuritas de cerámicas y las copas, los ventanales negros durante la noche y las entradas de luz que se producían en el entretecho.
Ahora vivo junto con Andrés, mi perro Agustín y Camelia, la gata. Vivimos en un departamento en el centro de la ciudad, lugar antiguo ubicado frente a una escalera color terracota en el segundo piso del edificio. El Departamento es un espacio amplio que da por tres de sus costados hacía un patio trasero e interior muy tranquilo, con árboles altos, unos muros antiguos de ladrillos de barro rojo, algunos rincones con objetos abandonados y otros con maleza seca de color gris amarillento. Es un espacio en que el tiempo no pasa.
El barrio es igual de antiguo, también está a destiempo. La mayoría de las casas no tienen ante jardín y están a medio pintar o con las fachadas descuidadas o deterioradas. La gente siempre deja una ventana, puerta o cortina a medio cerrar. Cuando uno pasa y mira hacía al interior de esas casas, es fácil confirmar aquello que llamo destiempo. Siempre que me toca ir a hacer algo por el barrio pienso que debería haber ido con la cámara de fotos. Me quedo con las ganas de capturar algo y traerlo a mi archivo.
P.¿Cuándo empezaste a trabajar con fotografía y por qué?
F.N. Mmm……. no recuerdo bien, siempre he tenido mala memoria. En mi casa mis hermanos mayores sacaban fotografías con una cámara análoga vieja y rectangular, era de color gris, y la ocupábamos para las fiestas o las vacaciones. Creo que ese aparato lo guardaba mi mamá en el segundo cajón de la ropa para que no se perdiera en mano de nosotros. Años más tarde tuvimos una cámara digital muy rara y pesada, eso fue cuando comenzaron a salir al mercado, objeto que por largo tiempo se convirtió en un juguete al que le tenía mucho cariño pese a no entender del todo su lógica. Cuando entre a estudiar pintura en la universidad mi vieja compró una cámara digital para la casa y nunca más la solté.
Si no me equivoco en el segundo año del taller de pintura lo único que quería era pintar “bien” o dejar de pintar, sufrí mucho con eso porque me costaba bastante concentrarme y responder al encargo. Recuerdo que siempre me decían que mis maquetas fotográficas para realizar las pinturas eran mejores que la pintura misma. En fin, me costaba la cosa de la mancha y por otro lado me encantaba la cuestión gráfica y la plasticidad que podría alcanzar con la fotografía, así que sin experiencia y curso alguno me puse a trabajar con la cámara digital y algunos programas para editar fotografías y crear modelos para pintar. Luego de eso y con toda la intensión de superar el tema de la frustración por no trabajar la pintura de forma gestual, me puse a investigar algunas formas de traspaso de imágenes a otras superficies y di con el trabajo de emulsiones fotográficas en el buscador de Google. De ahí en adelante la fotografía de laboratorio, su luz roja, bandejas, litros de agua y noches completas se me presentaron como algo impresionante e inabarcable.
Monté mi primer laboratorio fotográfico en el baño del departamento vacío de mi hermano Rodrigo, espacio que duro uno o dos días máximo. Ahí, gracias a la guía de Marta Hernández, mi ayudante favorita de la vida, hice las primeras pruebas para preparar emulsión argéntica neutra, técnica que me ayudo a entender la cuestión materica de la fotografía desde otro lugar. Después trasladé ese laboratorio al baño de la casa de mis papas, ellos me facilitaron el espacio por una semana, pero no lo solté sino hasta unos años después. Recuerdo que con Claudia Machuca, una amiga de ese entonces, comprábamos un par de galletas, subíamos una pequeña radio a pila y nos encerrábamos semanas completas a trabajar con emulsión y a hacer pruebas de materiales. Por suerte, y quizás por mi insistencia, en la universidad me asignaron varios fondos para poder investigar el asunto.
Cuando pude arrendar mi primer taller de trabajo fuera de casa, conseguí que me pasaran un cuarto que estaba al fondo de un patio tenebroso, compré mucho plástico negro y con mi papá, que siempre me apoya y ayuda en estas cosas, instalamos un lavadero, un estante, un mesón blanco y unas cuantas cosas más que se había conseguido. De ahí en adelante lugar en el que he vivido o trabajado dejo un espacio para instalar la ampliadora o bien un escritorio blanco para trabajar con fotografía e impresiones. De alguna manera la fotografía se ha transformado muchas veces en mi acceso al mundo, una entrada mediada, pero acceso al fin y al cabo.
Y bueno…., volviendo un poco al principio, creo que mi lazo con la fotografía tiene que ver con que tengo mala memoria, soy bueno para olvidar, retengo muy poco de lo que dicen, y siento, al igual que en los lugares que he vivido, que estoy siempre a destiempo de las cosas. Le tengo pavor al olvido.
F.N. P.¿Cuáles son tus artistas favoritos o por cuáles te has sentido influenciado?
Siempre he sentido que a nivel visual mi referente más cercano es la pintura, me gusta el trabajo de luz de Rembrandt y Caravaggio, creo que todo el barroco en general, ya que más que un periodo lo veo como un estado de animo, un modo de pensar y manifestar visualidad. Me gusta la cuestion materica y dramática de Goya y Bacon, también me interesa el trabajo con los objetos cotidianos de Morandi y De Chirico.
Por otro lado me interesa el trabajo escultórico e intervención arquitectónica de Matta Clark y registro fotográfico de Clay Ketter. En el caso de la fotografía, y volviendo al tema de la nostalgia, el tiempo, lo oscuro, las extrañezas y atmósferas cinematográficas, me gusta, aunque recientemente supe de ellos, Todd Hido y Richard Billinghan. Si pongo los temas de todos ellos en la juguera posiblemente saldría una sustancia rarísima que me fascinaría por años.
P.¿Qué elementos inspiran tu trabajo (imágenes, sensaciones, música, libros, películas, etc.)?
F.N. Todos los elementos que se circunscribe al interior y exterior de los espacios que habitamos, los objetos materiales que heredamos, ese utillaje que encontramos, disponemos para otorgarle una dignidad superior. También me interesan los espacios en que estas materialidades se emplazan, sobretodo los rincones, soy fanático de ellos. Me inspiran los escenarios levemente desfamiliarizados, sombríos y ralentizados. Creo que la noche, aunque suene un tanto cursi, es uno de los grandes motores de mi trabajo, no por una cuestión de tiempo óptimo de trabajo, sino porque en alguna medida sirve como filtro para interiorizar, comprender, dosificar y materializar ese contemplar las cosas y los lugares. Para mí hay una relación muy importante entre la huida de la luz y los objetos.
P.¿De qué forma proyectas tu trabajo?
F.N. Espero proyectarlo de manera colaborativa. Si bien trabajo solo en mis fotografías, videos, objetos y otros, me gusta mucho presentar proyectos que sean vinculantes; instancias bipersonales, colectivas y más numerosas. Considero pertinente y necesario que en todas estas cuestiones ligadas a la producción y visualización de las artes en general se produzca un diálogo, una colaboración o simplemente un cruce de ideas.
En Chile hay muchas universidades e institutos que imparten enseñanza artística en variadas disciplinas pese a no existir un respaldo o plataforma para solventar lo que ello conlleva, por lo mismo creo que la responsabilidad de hacer patria recae en los mismos artistas, y no hay mejor manera que las redes y el apoyo mutuo para producir proyectos exitosos. Asumo que me proyecto en esa asociatividad.
Respecto a estudios, me gustaría seguir estudiando después de terminar el magíster y realizar la retribución de la beca que me costea el programa de estudios. Hace rato que tengo ganas de vincularme más con el cine y las nuevas tecnologías.
Por último, volviendo al trabajo en sí, a la praxis del mismo, creo que sólo en la medida que este incesantemente haciendo y proponiendo cosas, el trabajo va a ir proyectándose en sí mismo, sea en la visualidad, en la docencia o en otros proyectos vinculados a la cultura.
P.¿Qué quieres transmitir con tu trabajo?
F.N. Es una gran pregunta, si bien uno trasmite algo con su trabajo, no puedo del todo direccionar esa experiencia. Siempre hay algo que, valiosa y afortunadamente, se sale de las manos, se nos escapa. Quizás, eso que intuimos o creemos que se escapa, esa inestabilidad de la experiencia, es de lo que habla mi trabajo.
Mis fotografías, quiéralo o no, hablan de cómo veo y rememoro las cosas. Siento que es tan profundo e intenso el lazo con la cuestión material y superficial de los elementos y la técnica que constituyen mi quehacer, que indiscutiblemente el discurso no es más que el reflejo un tanto camuflado de algo que ante todo desea ser honesto. Soy melancólico.
Mis imágenes hablan sobre como percibo y develo el espacio y elementos que me rodean. Todo lo que no soy capaz de decir en palabras, lo dice por mí la materia.
No soy de los que piensa mucho lo que hay que hacer antes de preparar algún proyecto, más bien tomo el material, el medio técnico y me pongo a experimentar, revisar archivos, hacer maquetas, registrar, modificar e interpretar todo lo fugitivo que logro cazar o manipular desde la visualidad. Soy fanático del trabajo inútil, no en un sentido peyorativo, sino en un sentido práctico, como si me satisficiera lo desahuciado e inabarcable.
P.¿Has expuesto en algún lugar y si ha sido así, dónde?
F.N. En enero pasado tuve la posibilidad de hacer un pequeño experimento que me dejo muy satisfecho. Pamela Prado, una joven amiga y curadora chilena, me invito, junto a otros 24 artistas, a intervenir un departamento vacío en marco de una exposición colectiva en el centro de la ciudad de Santiago. En esa ocasión, Ocupa: 24 artistas & una curadora, presente una video y foto instalación apropiándome parcialmente de una de las habitaciones.
Dadas las casualidades y considerando el factor sorpresa, días antes de la exposición había estado preparando una serie de videos animación stop motion en los cuales trabajaba la cuestión de lo escenográfico y panóptico con los dispositivos lumínicos y rincones de mi departamento. La leve coincidencia que había entre la visualidad el espacio registrado en el video realizado en mi Depto. y el Depto. de la exposición fue la chispa que propicio la propuesta. Era tanta la similitud entre ambas vistas y tan legible las diferencias que se me ocurrió jugar con aquel descalce, con esa fragilidad e inestabilidad de la experiencia del lugar y su arquitectura.
Instale 2 dispositivos HD pantalla LED para reproducir videos y fotos, uno simulando ser el registro panóptico de un lugar que no era y, en el otro portarretratos digital, una serie de objetos registrados en blanco y negro que aparecían y desaparecían sobre una de las repisas de la misma habitación.
Creo que en ese trabajo de desplazamiento fotográfico a otras disciplinas e intervención del lugar, se vio condensado efectivamente, la mayoría de mis intereses, siendo hoy una experiencia configuradora de futuros proyectos.
P.¿En qué lugar te gustaría ser expuesto y que proyecto presentarías en él?
F.N. Hace días vengo dándole vuelta a esta pregunta. Creo que intervenir un lugar abandonado, un terreno baldío, un sitio eriazo, un galpón desmantelado o en unas catacumbas sería más que gratificante, aunque también podría ser otro departamento antiguo y deshabitado. Me imagino el lugar tramado con pequeñas pantallas digitales que reproduzcan retratos breves en blanco y negro, relatos sonoros casi imperceptibles e intervenciones mínimas, claro si, todo pensado y fabricado desde la fotografía y las posibilidades del lugar. Si bien me gusta la fotografía digital e impresa, siempre creo que puede dar más, ser más plástica que el registro mismo.
P.¿Qué música estás escuchando?
F.N. Una lista de música con Lykke Li, Sufjan Stevens, Bat for lashes, Pearl Jam, The Cure, Lana del Rey, Larkin Grimm.
P.¿Cuáles websites te gustan?
F.N. www.sueñosdelarazon.org, www.artishok.cl, www.docuemntalesonline.com, www.plateformag.com, http://www.homines.com, www.peliculasonlinesigloxx.blogspot.com, www.the-youthquake.com entre otras.
P. ¿Cuál es tu lugar favorito?
F.N. Sin duda creo que es mi casa, y si no es mi casa es el sur, y si no es el sur mmmm vuelve a ser mi casa.
P.¿Cuáles serían las tres postales con que mostrarías Chile?
F.N. Dadas las incongruencias de nuestro país, imposible no mostrar como primera postal las imágenes de represión ante las protestas ciudadanas. En segundo lugar, creo que sacaría copia de unas de las páginas de ese libro con fotomontajes de la Patagonia embestida por torres de alta tensión y completamente inundada y, en tercer lugar, una última postal sobre la gran cantidad de gente y pirotecnia de los fuegos artificiales que iluminaron, a modo irónico, la moneda para la celebración del bicentenario de Chile.
P.¿Puedes contarnos en qué circunstancias hiciste esta fotografía?
F.N. Participando en una residencia artística por el Festival internacional de fotografía Valparaíso 2012, Álbum Familiar, junto a otros ocho buenísimos compañeros de trabajo: Andrea Spoerer, Cristóbal Olivares, Javier Álvarez, Patricio Miranda, Lister Silva, Chi-Hua Salinas y Orlando Rojas.
Esta fotografía es parte de un proyecto fotográfico que consistió en una serie de imágenes digitales a color tomadas en un recorrido por los cerros: Alegre, Cárcel, Bellavista, Florida y San Juan de Dios en la ciudad de Valparaíso, Visitando y registrando diversos hogares, sitios, objetos y materialidades que se encontraban al interior de las habitaciones y dormitorios. La idea era capturar visualidades que se circunscribieran a lo doméstico como escenario en que se inscribe lo familiar.
En cada una de las fotografías de esta serie se presenta una temporalidad alterada, detenida y nostálgica a la cual podemos acceder por medio de la memoria exteriorizada y contenida en las materialidades y superficies de los lugares o artefactos. Estos dispositivos remiten y configuran, desde ciertas arquitecturas y objetos melancólicos, parte de la propia memoria visual preservada, y hasta cierto punto un tanto forzado, de la ciudad de Valparaíso.
P.¿Si pudieras asociar esta imagen con algo, qué sería?
F.N. Hace un tiempo leí un libro llamado “Historia de las alcobas” de Michelle Perrot, recuerdo que uno de los capítulos del libro hacía referencia a las habitaciones como una mirada sobre el mundo. Cada vez que leía ese libro me venían a la cabeza imágenes como esta, sobre todo cuando el relato hablaba de cómo escritores, en este caso Kafka y Proust , se involucraban vitalmente con este espacio doméstico.
Si fueran canciones serían “In The Devil’s Territory” de Sufjan Stevens y “Los barcos” de Gepe.
P.¿Qué sensaciones te produce esta imagen?
F.N. Es raro porque esta imagen habla de recuerdos que no tengo, recuerdos que no son míos, que son prestados o que quizás, siendo un poco más radical, no le pertenecen a nadie más que a sus mismas superficies y arquitecturas. Esos objetos un tanto abandonados y solitarios son el registro de un lugar de tránsito, parte de la habitación de un hostal en Valparaíso; un puerto, la amplificación de un “no lugar”.
Creo que la sensación más representativa que me deja esta imagen es la de nostalgia, una nostalgia y memoria configurada por el desear, pero que silenciosamente es impuesta y administrada. Si bien le tengo terror al olvido y me aferro visualmente a la temporalidad del objeto y los lugares, me es imposible no sospechar de lo que ellos mismos nos ofrecen como verdad.
Prensa y publicaciones 2011.
• http://www.factory-art.com/yai-1/catalogue.pdf
• http://www.artishock.cl/category/artista-de-la-semana/
• http://francisconavarrete.artists.de/
• http://www.artishock.cl/2012/01/ocupa-24-artistas-y-una-curadora/
• http://www.artishock.cl/2012/01/destacados-del-10%C2%BA-concurso-audiovisual-juan-downey/
• http://www.artishock.cl/2011/12/seleccionados-artistas-del-concurso-iberoamericano-audiovisual-juan-downey/
• http://francisconavarretesitja.tumblr.com
• http://www.galaxiaup.cl/2011/12/artistas-galaxia-la-repeticion.html
• http://bvam.cl/10/lugares/mac-p-forestal/exhibiciones/francisco-navarrete-sitja/
• http://www.sentidog.com/lat/2012/03/yessr-4-paraiso-bello-y-sanguinario-hecho-de-arte/
• http://www.artistasplasticoschilenos.cl/biografia.aspx?itmid=5269
• http://panoramasgratis.cl/agenda/2011/11/25/puntociego-la-politica-en-el-ojo/
• http://www.mavi.cl/?p=78107
• http://artenlinea.com/blog/posts/no-hay-plazo-que-no-se-cumpla-ni-deuda-que-no-se-pague-huella-y-plasticidad-autor-texto-francisco-navarrete-sitja-2
• http://www.anormalmag.cl/shuffle/yessr-4-flesh-garden/
• http://artes.uchile.cl/?_nfpb=true&_pageLabel=notArtes&url=74708
• http://artes.uchile.cl/?_nfpb=true&_pageLabel=notArtes&url=79095
• http://artes.uchile.cl/?_nfpb=true&_pageLabel=notArtes&url=78642
• http://artes.uchile.cl/?_nfpb=true&_pageLabel=notArtes&url=78189
• http://www.lacaja.cl/blog/2011/09/exposicion-tercer-paisaje-celebrara-el-dia-de-las-artes-visuales/
• http://www.fifv.cl/wp-content/uploads/2012/01/REVISTAALBUMFAMILIARop.pdf
TEXTO: LA RUINA ES UN REGALO
Muchas veces la maleabilidad estorba. Muchas otras, lo que estorba y lo maleable son recursos para edificar. En ciertas arquitecturas, la construcción desde las ruinas y lo desplazado es la espina dorsal de su cuerpo. La ruina y el desplazamiento se conforman como restos de un ente grandilocuente, del cual acusamos noticia sólo a través de esta armazón, pues su sentido trascendental ha decaído en la mera significancia formal. En este sentido, la ruina y el desplazamiento funcionan melancólicamente respecto a su referente y, sin embargo, arman un edificio representacional completamente nuevo, con significaciones y relaciones inéditas. Hablamos, entonces, de la reciprocidad de dos tiempos: de la expansión del antiguo y de la referencialidad del nuevo. Hablamos de la disponibilidad de la Historia y sus métodos de representación, de cómo sus restos conformarían una memoria e identidad pública y privada llena de fragmentos y desgaste, gracias a la operación de repetición y deslizamiento de los sedimentos, haciendo guiñar irónica y paródicamente el ojo hacia el pasado, presente y futuro.
En este sentido, cabe señalar que desde hace un tiempo el relato modernista de la Historia y del Arte ha sufrido un decaimiento importante. El purismo de los relatos se muestra ineficaz en nuestro tiempo –el purismo greenbergiano sobre la evolución del arte, por ejemplo- donde sostener el carácter diáfano de la representación artística se torna insuficiente. La productivización de la práctica artística recae, ya desde décadas, en su carga matérica y en los traspasos de registros. En este sentido, una de las operaciones que más rendimiento tiene –sobre todo en nuestro país- es la yuxtaposición entre la fotografía y la pintura, antecedente que vemos desde la Escena de Avanzada y que se ha vuelto un tanto común en la actualidad. Esencialmente, lo que se problematiza con este deslinde de categorías artísticas es el carácter líquido de los registros, mostrándose disponibles para posibles manipulaciones. Lo que emerge es un cuerpo retórico un tanto agonizante, que sólo puede ser vigorizado por los desplazamientos de su carga matérica, originando un nuevo sentido, pero aún más, originando irónicamente el sentido.
Evidentemente este trabajo de traslape categorial implica trabajar con el desecho, con los márgenes y jugar con el afuera y adentro de marco. El deslinde que se mencionó –el que trabaja el registro fotográfico y el pictórico- es depositario de cierta disputa histórica: la gestualidad, manualidad e incluso la firma del artista. Esto se puede ver en la obra plástica de Francisco Navarrete Sitja, pues el tránsito desde la pintura hacia la fotografía se da desde una búsqueda personal y desde la opción por tergiversar géneros. Con la sobreposición entre lo manual y lo digital lo que se cuestiona y manipula es la supremacía de la mancha pictórica en tanto que lugar aurático, haciendo aparecer a la mancha como gesto condicionado o poco espontáneo o al menos como un proceso técnico –no sólo como uno derivado de una máquina sino también en cuanto que techné- tergiversando la pureza del gesto pictórico, la genialidad innata de la mano del artista, paradigmas que han conformado históricamente a la tradición de la pintura.
Este desplazamiento no sólo incluye técnicas, sino también materiales específicos que han funcionado como estereotipos de ciertos imaginarios. Así, la utilización de cornisas desechadas es la impronta de la obra de Navarrete, opción que enfatiza la volatilidad, lo perecedero de cualquier estructura tanto física como ideológica.
Caminar por la calle en que se ubica el hogar propio, encontrar restos de otros hogares, es hallar trozos de vidas privadas descontextualizadas, difuminadas, frágiles, evanescentes. Plasmar en estos trozos una imagen fotográfica de quien las manipula es dotarles sentido, uno traspapelado y trasnochado, uno que juega con la melancolía de la conformación del sujeto y la vida privada. Esta melancolía es esencialmente barroca, no sólo por el estilo al que pertenecen las cornisas, son también por el ejercicio operacional que acontece en esta práctica. Deleuze señala en su libro El Pliegue que “el barroco no remite a una esencia, sino más bien a una función operatoria, a un rasgo. No cesa de hacer pliegues”[1], lo que se aplica muy bien a lo que hemos descrito en estas líneas. La obra de Navarrete es un ejercicio por medio del cual el sentido está dado por lo tergiversado, por las yuxtaposiciones, por los procesos. Las obras de la muestra “Repetición subversiva” son esencialmente procesuales, porque incluyen en su conformación restos que hay que ensamblar para comprender la significación.
Las obras de la muestra ya indicada permiten conjugar lo privado y lo público a través del uso de la membrana que los separa: las paredes de la casa propia. La impresión de una fotografía del cuerpo desnudo del artista es la explicitación de esta dualidad, y la membrana se vuelve un tanto delgada, un tanto efímera, desgastada. Esto se potencia con el trabajo artístico de la obra. Indiquemos su procedimiento. Sobre los irregulares trozos de cemento se aplica una película de pintura blanca que funciona como receptaculo de la imagen, sobre ésta se impregna, a través de emulsión gelatinobromuro, la imagen fotográfica que, con el paso del tiempo, se desdibuja y borra, quedando una capa de óxido sobre el cemento. El retrato es el autor que comparece en situaciones cotidianas al interior de su hogar, el género de la retratística y del realismo es, en este ejercicio, el receptáculo de la tensión que se genera en el proceso de la conformación identitaria, que acá no puede entenderse como otra cosa que la transición y cicatriz que deja esta configuración.
Este proceso tan personal pero que está cruzado por cuestiones externas –como el lugar en que crecemos y habitamos- en su esencia está constituido por la capacidad humana de construir narraciones, historias, la Historia tanto privada como universal. Y la Historia no es otra cosa que la fijación de momentos en una narración, es la inserción de la memoria en un devenir de sentido que fija el pasado y esboza el futuro, un pretérito que es siempre movible, flexible, como un rompecabezas modificable, haciendo aparecer imágenes nuevas, pero siempre referenciales a la historia central. El pasado puede ser fijado a través de la narración, pero también puede ser traslapado o voluble según la proyección que quiera hacerse de él. Lo que acontece en esta operación es la repetición infinitesimal de las imágenes –y otros aspectos- que componen la memoria, situación que en la obra de Navarrete está cruzada por su antítesis, a saber, el desgaste y el fragmento. Es con los trozos de cemento de la muestra señalada que vemos claramente la compleja relación no sólo de la constitución identitaria personal, sino que también podemos extenderla a la situación del arte nacional, especialmente con el deseo constitutivo que ha tenido la producción nacional de “tener una historia del arte”, historia que está atravesada por incontables momentos fundacionales, que le otorgan un carácter inestable, acuoso, haciendo comparecer lo que Navarrete trabaja muy bien: el deseo de la fijación de la memoria, la inevitable evaporación de la historia y la nostalgia barroca de su conformación.
Patricia Arellano Galgani
Historiadora y Teórica del Arte
Primavera, 2011
[1] Deleuze, Gilles: El Pliegue, España, Editorial Paidós Ibérica, 1989. Pp. 11-24.
Aktivitäten / Ausstellungen:
TITULOS Y GRADOS ACADÉMICOS
2009 Licenciado en Artes Visuales mensión Pintura, Univerisdad de Chile, Santiago, Chile.
2012 Candidato Magister en Artes Visuales, Univerisdad de Chile, Santiago, Chile.
TRABAJOS Y CARGOS DESEMPEÑADOS EN CHILE Y/O EL EXTRANJERO
2012-2009, Profesor Ayudante Pregrado Color y Pintura I,II Y IIIFacultad de Artes Universidad de Chile, Santiago, Chile.
2012-2011, Retocador fotográfico profesional Museo Universitario de Arte Popular Americano Tomás Lagos MAPA Universiad de Chile , Santiago, Chile.
2011-2009, Director y Fundador Proyecto Colectivo Acción Sudaca, Santiago, Chile.
2011, Montajista y asistente Museo Universitario de Arte Popular Americano Tomás Lagos MAPA Universiad de Chile , Santiago, Chile.
2010, Asistente Sala de fotografía Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago, Chile.
2009-2010, Fotógrafo Museo de Arte Popular Americano Tomás Lagos MAPA Universidad de Chile.
FILIACIÓN A GRUPO GENERACIONAL, MOVIMIENTO, O TENDENCIA (nombre del grupo e integrantes)
Francisco Navarrete participo como organizador y director en el proyecto colectivo artistico de gestión cultural “Acción Sudaca” desde Diciembre 2009 hasta Septiembre 2011, gestionando distintos espacios (desde galerías a centros culturales municipales y otros espacios alternativos) para realizar exposiciones e itinerancias, produciendo y presentando una serie de proyectos de financiamiento ( CNCA, U. de Chile y otros) para actividades educativas y estrategias de difusión y comunicación, apoyando administrativa y visualmente el desarrollo de la más de 16 exposiciones colectivas en distintas ciudades del país (7), sumando la participación de más de 220 artistas jóvenes nacionales y extranjeros, además de más varias ponencias y publicaciones.
De este modo Acción Sudaca se hace consiente de ese rol social y decide empoderarse del mismo para construir mediaciones menos crípticas a partir del asumir una transversalidad en el discurso y visualidad en cada una de las acciones a desarrollar.
Integrantes que han formado parte : Claudia P. M. Santibáñez, María Jesús González, Paulina Mujica, Matías Otondo, Yasna Orellana, Camila Csillag, Valentina Robledo, Consuelo Achurra, Natalia Betancourt, Barbara Ardiles Marión Godoy, Ximena Rojas, Paula Martínez, Catalina Olivares, Carolina Manqueo, Marcela Matus, Melanie Garland, Wladymir Bernechea, Millale Cordero, Judit Lara, Camila Escobar, Valentina Carreño, Pablo Lincura, Michela Domolo, Andrés Gallardo, Camila Urzúa, Lucy Quezada, Samuel Toro, Carolina Rodríguez, Diego Parra, Beatriz Morán, Patricia Arellano, María Alejandra Olaiz, María José Reinoso y Adriana Pincheira.
TEMAS DE SUS OBRAS/ESTRATEGIA VISUAL/PROCESO CREATIVO
El trabajo visual de Navarrete se articula en torno a problemáticas relacionadas con la conformación de memoria, identidad y temporalidad alterada, utilizando el espacio doméstico y lo secular como el escenario en que acontece esta conformación. Esto ha derivado en la reflexión del habitar cotidiano del sujeto desde dos aristas: la primera guarda relación con la melancolía del pasado, el olvido y el destiempo de ciertas materialidades, superficies y arquitecturas que funcionan como membranas o protesis de memoria exteriorizada (archivos), y la segunda atañe al modo en que el sujeto se relaciona con los lugares, estructuras, artefactos y mecanismos hogareños que organizan su vida, volviéndolos protagonistas de la manipulación de la vida habitual del hombre, haciendo comparecer a éste como espectador distraído e inadvertido de su propio habitar, tornando el lugar doméstico en una cuidada escenografía inscrita bajo distintas relaciones de poder configuradas.
La estrategia visual de la primera arista se desarrolla a partir de la manipulación y tergiversación de registros artísticos como señal de la pérdida de especificidad de los géneros plásticos, yuxtaponiendo fotografía e imaginario pictórico sobre trozos de cornisas y materialidades barrocas encontradas en la calle en que se ubica el hogar de Navarrete imprimiendo autorretratos que permiten relacionar la conformación e interacción de la identidad pública con la privada. La segunda arista se despliega a partir de video stop-motion que registran secuencias de habitaciones domésticas ocupadas por dispositivos lumínicos y electrónicos mostrados desde su funcionalidad pero también desde el proceso enajenante que efectúan sobre el hombre, vislumbrando la condición maquinal del cotidiano vivir. Estas dos aristas coinciden en la importancia de los asuntos de superficie en las diversas materialidades que Navarrete trabaja, dotando de notoriedad los recursos específicos que se sustraen de registros como la pintura, fotografía, instalación, video, arte digital y el reciente traslape desde lo fotográfico a lo cinematográfico.
Las obras de Navarrete nacen, en primera instancia, del acercamiento a la materialidad propia tanto del objeto o espacio a manejar como del género artístico a cuestionar, particularmente de la apropiación y captura de imágenes, espacio, lugares y objetos cotidianos, en el caso de estos últimos, desde cierta sensación de silencio efimera y moribunda¬– ruina, misterio, vigilancia y bandono– decenvocan en una constante puesta en escena de una mirada melancólica como modo de producir y restablecer memoria a partir de ciertos aspectos físicos de las materialidades, soportes e imágenes por medio de una inscripción constantemente “mediatizada” de rastros, huellas, trazas, vestigios o indicios técnicos que se alimentan de la morfología de este tiempo ambivalente de lo roñoso, de la erosión, ausencia y olvido que, producidos desde lo orgánico a lo mecánico, padecen, a su manera, lo equivalente al envejecimiento y la desgracia.
Navarrete desarrolla un cuidado uso de la luz, de forma dramatica y sugestiva exacerba los blancos y negros que se generan en la noche, tiempo ideal de operación para tu trabajo, creando atmósferas enrarecidas, ajenas y familiares, amigables, inquietantes y perturbadoras a la vez. Por otro lado, hay una característica que relaciona su trabajo con la tradición pictórica del barroco donde el claroscuro, sobrecargado y melancolico de las superficies juegan un rol fundamental. Es en este encuentro de estrategias, sensaciones y en la simpleza visual de lo narrado donde radica la seducción de su trabajo.
PREMIOS Y DISTINCIONES
2012, Selección Concurso “Fundación Iniciar for Global Action”, Buenos Aires, Argentina.
2012, Selección Taller/Residencia Nacional “DÍA DE LA FOTOGRAFÍA”, Consejo de la Cultura, Santiago, Chile.
2012, Selección Libro “PINTORES SUB30”, Editorial Ocho Libros, Santiago, Chile.
2012, Selección Internacional “Young-artists-incubator”, Berlin, Alemania.
2012, Selección Internacional “Athens Video Art Festival Digital Arts & New Mediar”, Stoa Kourtaki, Athens.
2012, Selección 10º Concurso JUAN DOWNEY / Bienal de video y nuevos medios, Santiago, Chile.
2012, 2012, Beca Residencia “Álbum Familiar”/ Festival Internacional de fotografía FIFV, Valparaíso, Chile.
2011, Beca Magister En Artes Visuales U. de Chile, Consejo Nacinal de la Cultura CNCA, Santiago, Chile.
2011, Selección Showroom CNCA en Ch.aco, Consejo Nacional de la Cultura CNCA, Santiago, Chile.
2011, Selección II Concurso Arte Universitario, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
2011, Distinción Revista GRIFO, Fac. de Literatura Universidad Diego Portales, Santiago, Chile.
2011, Distincion Revista web http://www.artists.de/featured-kuratiert.php,, Düsseldorf, Alemania.
2011, Ganador proyecto Acción Sudaca 2011, Fondo Azul Universidad de Chile, Santiago Chile.
2010, Ganador proyecto Acción Sudaca Valparaíso, Consejo Nacional de la Cultura CNCA, Santiago,Chile.
2010, Ganador proyecto Acción Sudaca 2010, Fondo Azul Universidad de Chile, Santiago Chile.
2010, Selección VXIII Concurso Artistas del Siglo XXI, Universidad Católica, Santiago,Chile
2009, Ganador proyecto Transferencia y gesto I, FONDAE Fac. de Artes Universidad de Chile, Santiago Chile.
2009, Selección III Cabeza de Ratón 2009, Museo de Artes Visuales MAVI, Santiago,Chile.
2008, Ganador proyecto Transferencia y gesto II, FONDAE Fac. de Artes Universidad de Chile, Santiago Chile.
EXPOSICIONES 2013
2012/2013, INMUEBLE, Galería BECH, Santiago, Chile.
2012/2013, Lecciones de Emergencia III, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
EXPOSICIONES 2012
2012, Athens Video Art Festival/ International Festival of Digital Arts & New Mediar, Stoa Kourtaki, Athens.
2012, Young-artists-incubator, Factory-Art gallery Berlin, Alemania.
2012, Flesh Garden, La Petite Mort Gallery, Toronto-Canadá.
2012, Ojo Mudo, L`Equitable Café y Le Polygome Êtoilé, Paris, Francia
2012, Cinema Control, Intervención urb y dispositivos sonoros barrio Matta/Prat, Santiago, Chile.
2012, Proyecto Intemperie, Intervención urb y dispositivos sonoros barrio Yungay, Santiago, Chile.
2012, PerrOff, Espacio Cabeza de Pescado, Santiago, Chile.
2012, Plato a la Carta III, Espacio Cabeza de Pescado, Santiago, Chile.
2012, Plato a la Carta I, Espacio Cabeza de Pescado, Santiago, Chile.
2012, Concurso fotográfico “Fundación Iniciar for Global Action”, Buenos Aires, Argentina.
2012, Lecciones de Emergencia, Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago, Chile.
2012, Flesh Garden, Casa Brandon, Buenos Aires, Argentina.
2012, Flesh Garden, Sala +18 Biblioteca de Santiago, Santiago, Chile.
2012, Desde el Otro, Sala exposiciones Juan Egenau, Santiago, Chile.
2012, Ojo Mudo, Sala exposiciones Juan Egenau, Santiago, Chile.
2012, Punto Ciego, Lab. de Creaciones Intermedia Universidad Politécnica de Valencia, España.
2012, Punto Ciego, Centro de Arte Contemporáneo Statión, Prishtina, Kosovo.
EXPOSICIONES BI- PERSONALES Y COLECTIVAS
2012, Flesh Garden, Casa Brandon galería de arte, Buenos Aires, Argentina.
2012, 10º Concurso Iberoamericano a la Creación y Autoría Audiovisual JUAN DOWNEY / Bienal de video y nuevos medios, Santiago, Chile.
2011, I Antología Visual Jóvenes Fotógrafos Chilenos, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile
2011, II Concurso de Arte Universitario, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile
2011, Línea Polonio, Galería Artek y Caja Negra Artes Visuales, Santiago, Chile
2011, La Posesión Ante la Vida, Centro de Extención de Cultura y las Artes Ovalle, Ovalle, Chile.
2011, Tercer Paisaje, Galería Balmaceda Arte Joven, Santiago, Chile.
2011, Archivo en Tensión, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile
2011, Showroom CNCA en Ch.aco, Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago, Chile
2011, Circuito Cultural Santiago Poniente, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile
2011, PuntoCiego, La politica en el ojo, Museo Artes Visuales MAVI, Santiago, Chile
2011, Ocupa: 24 Artistas & 1 Curador, Departamento 11 / Pamela Prado, Santiago, Chile
2010, MAP REDUCE, Espacio Cellar, Santiago, Chile
2010, Historia después de todo, Galería BECH, Santiago, Chile.
2010, Por la Razón o Por la Fuerza, Museo de Arte Moderno de Mendoza MMAMMM, Argentina.
2010, Concurso Artistas del Siglo XXI, Centro Extensión Universidad Católica, Santiago,Chile
2010, No somos un Colectivo, Espacio Cellar, Santiago, Chile
2010, Ver para Creer, Galería Balmaceda Arte Joven, Vaparaíso, Chile.
2010, Distrito Sudaca, Galería Guillermo Nuñez, Santiago, Chile
2010, Sudaca Paradise, Galeria Scuola Italiana, Santiago, Chile
2010, Nuevos Imaginarios, Sala Isidora Zegers U. de Chile, Santiago, Chile
2010, Chile Bicentenario, Centro Cívico de San Agustí, Barcelona España
2009, III Concurso Cabeza de Ratón, Museo Artes Visuales MAVI, Santiago, Chile.
2009, Espacio Contenido - Salón estudiantes Universidad de Chile,
2009, Irrepetible, Galería Balmaceda Arte Joven, Valparaíso, Chile.
2009, Laberintos de Amor y erotismo, Centro Cultural de la Reina, Santiago, Chile.
2008, Concurso Obras Sobre Papel, Centro Extensión Universidad Católica, Santiago,Chile
2007, XVIII Concurso ARTE EN VIVO, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
2006, Intervención escultórica sitio especifico Terreno-Patio, Fac de Artes U. Chile, Santiago, Chile
2006, Volumetrias Espaciales, Sala Juan Egenau, Santiago, Chile
INSTALACIONES Y NUEVOS MEDIOS
2012, 10º Concurso Iberoamericano a la Creación y Autoría Audiovisual JUAN DOWNEY / Bienal de video y nuevos medios, Santiago, Chile.
2011, PuntoCiego, La politica en el ojo, Museo Artes Visuales MAVI, Santiago, Chile.
2011, Antología Visual Jóvenes Fotógrafos Chilenos, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
2011, II Concurso de Arte Universitario, Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
2011, OCUPA: 24 Artistas & 1 Curador, Departamento 11 / Pamela Prado, Santiago, Chile
PONENCIAS SEMINARIOS
2011, El arte como Arma de Resistencia, Centro Cultural de España, Santiago, Chile
2011, La enseñanza del Arte en Chile, Concurso Arte Universitario, MAC, Santiago, Chile
2010, CFG Gestión cultural Universitaria, Facultad de Artes Universidad de Chile, Santiago, Chile.
2010, Estrategias visuales. La creación, desde el sujeto al Colectivo, UMCE, Santiago, Chile
2010, 1er Observatorio de Arte, UNIACC, Santiago, Chile.
BIBLIOGRAFÍA SOBRE SU TRABAJO
ARTE EN VIVO. “18 Concurso Taller “Arte en Vivo”, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile, 2007.
ESPACIO CONTENIDO. “Espacio contenido-Salón de estudiantes Artes Visuales 2010”, Santiago, editado por MAC U. de Chile, 2010.
BALMACEDA ARTE JOVEN. “Galería Balmaceda Arte Joven sede Valparaíso 2009”,Valparaíso, editado por Balmaceda Arte Joven, 2010.
FOTOESPACIO. “Catálogo virtual 1ª Antología Visual de jóvenes fotógrafos Chilenos 2011”, Santiago, editado por www.fotoespacio.cl, 2011.
CONCURSO ARTE UNIVERSITARIO. “2º Concurso de Arte Universitario”, Santiago, editado por Balmaceda Arte Joven, MAC, 2012.
CONSEJO NACIONAL DE LA CULTURA Y LAS ARTES. “Showroom Feria Ch.aco 2011”, Santiago, editado Depto. Artes Visuales CNCA, 2012.
BALMACEDA ARTE JOVEN. “Galería Balmaceda Arte Joven sede Santiago 2011” , editado por Balmaceda Arte Joven, 2012.
REVISTA GRIFO. “Literatura y traducción , Nº 21” 2011, Santiago, Escuela de Literatura creativa Universidad Diego Portales,2011.
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\"Historia después de todo\"
Fotografie
300 x 300 x 500 cm
2010
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sobre lo inestable
Fotografie
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15 x 15 x 10 cm
2009
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Imagen VIII, Detalle " La Real Academia "
Fotografie
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15 x 15 x 1 cm
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Imagen VII, detalle " La Real Academia "
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Imagen VI, Detalle " La Real Academia "
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Imagen V, detalle " La Real Academia"
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15 x 15 x 1 cm
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Imagen III, Detalle " La Real Academia "
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15 x 15 x 1 cm
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Imagen II, Detalle " La Real Academia"
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15 x 15 x 1 cm
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Imagen I , Detalle La Real Academia
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15 x 15 x 1 cm
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"La real academia"
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80 x 320 x 1 cm
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Imagen XVII
Fotografie
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35 x 50 x 1 cm
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Imagen VXII
Fotografie
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Imagen XIV
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36 x 36 x 1 cm
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Epopeya V
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42 x 36 x 1 cm
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Epopeya II
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12 x 36 x 1 cm
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Epopeya I
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12 x 36 x 1 cm
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" Mi amado Goliath "
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12 x 36 x 1 cm
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" Aleaciones I "
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36 x 36 x 1 cm
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ALEACIONES I
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36 x 36 x 1 cm
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Imagen XV
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36 x 36 x 1 cm
2009
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Imagen XIV
Fotografie
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36 x 36 x 1 cm
2009
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Imagen XIII
Fotografie
Handabzug
36 x 36 x 1 cm
2009
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Imagen XII
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Handabzug
36 x 36 x 1 cm
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Imagen XI
Fotografie
Handabzug
36 x 36 x 1 cm
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Fotografie
Handabzug
36 x 36 x 1 cm
2009
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IMAGEN IX
Fotografie
Handabzug
36 x 36 x 1 cm
2009
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Imagen VIII
Fotografie
Handabzug
36 x 36 x 1 cm
2009
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Imagen 6
Fotografie
Handabzug
36 x 36 x 1 cm
2009
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Fotografie
Handabzug
36 x 36 x 1 cm
2009
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Fotografie
Handabzug
36 x 36 x 1 cm
2009
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Imagen IV
Fotografie
Handabzug
36 x 36 x 1 cm
2009
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Imagen III
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Handabzug
36 x 36 x 1 cm
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36 x 36 x 1 cm
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36 x 36 x 1 cm
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